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| Les jeux de miroirs séducteurs de Laurence Dervaux. Laurence Dervaux se passionne pour des matériaux élémentaires prélevés dans une banalité quotidienne. Ainsi, elle met en situation et transmute des éléments dits « pauvres » tels que savon, sucre, ongles, graines, ossements, farine… en un agencement esthétique de formes sobres et attrayantes. Les œuvres, empreintes de nombreux potentiels plastiques, séduisent le regard avant de le transporter, par glissements progressifs, dans un court-circuit d’évidences. Ces dispositifs illusoires, pièges à sens, immergent le visiteur dans un parcours le menant du plaisir du regard vers l’inconfort de l’ambiguïté. Les sculptures et objets de Laurence Dervaux offrent au regard une vision esthétique maximale avant de dévoiler, dans une relation de proximité, une minimalité de moyens. A l’origine, la rencontre se construit donc sur l’apparence séduisante de ses agencements sculpturaux. Puis, vient l’identification des matières et, de glissements en interprétations, l’incertitude s’insinue. Il faut prendre le temps de se laisser surprendre, d’effleurer, pour pouvoir dévoiler les leurres qui se cachent sous ce formalisme attractif. L’artiste voyage dans l’entre-deux, elle visite la limite fragile entre le réel et son apparence, sa représentation. Elle élabore un univers sensuel de faux-semblant où règne une incertitude troublante. Au moyen de divers jeux de miroirs séducteurs, elle pratique l’art de faire vrai le faux ou de faire faux le vrai. A l’occasion de chaque exposition, Laurence Dervaux propose une nouvelle mise en circulation de ses œuvres. Elle met en place des possibilités de relations complices et induit une mouvance entre ses thèmes de prédilection : l’abondance-le vide, la mort-la vie … Cette oscillation spatiale se construit en résonance avec le basculement propre à la vision de chaque travail : les glissements de sens entre les propositions n’offrent donc, ici aussi, d’autre réponse qu’une ambiguïté mystérieuse. Texte d’après un article
de Bénédicte Merland |
Les apparences et la réalité.
D'abord, il y a l'apparence. Celle qui saute à l'oeil, destinée à conforter l'aspect esthétique de ce qui est présenté. Il s'agit bien d'une oeuvre d'art. De loin, la forme apparaît essentielle. De près, le doute s'insinue. On dirait que.
Et les questions de se poser : s'agit-il d'os ? De goutte d'eau ? De nourriture ? De savon ? La réponse, suggérée par le rapport de l'écrit du titre et l'image visuelle, est ambiguë. Oui, bien sûr que chaque élément ,- qu'il soit rassemblé, entassé, fragmenté, juxtaposé - appartient au familier de l'existence courante. Mais chez Dervaux, chaque fois que l'objet est brut, il reçoit de quoi être métamorphosé par l'ajout d'une couleur, d'un miroir, d'une déformation. chaque fois que l'objet est réinventé en porcelaine, en résine..., son simulacre a pris au réel seulement ses apparences. Ici, tout est de l'ordre de l'utile dépouillé de son utilité, de sorte que chaque travail devienne sujet d'une réflexion à propos de vrai-faux, de laid-beau, de durable-éphémère.
Michel Voiturier.
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"A raison de 7000 litres de sang pompés par le cœur humain en vingt-quatre heures, cette pièce représente le nombre de litres pompés en une heure et vingt-huit minutes " - 750 réceptacles en
verre transparent (vases, verres, Brillances – Eclats – Reflets – Préciosité. Le titre nous apprend
que cette installation représente l’étonnante quantité
de sang pompée par le cœur humain en 1 heure 28 minutes.
Cette couleur rouge qui nous charmait tant, nous attirait,
nous faisait vibrer de ses éclats prend alors une autre
dimension. Un basculement s’opère d’une notion esthétique
à l’ordre de l’humain. Le sang, véhicule de la vie,
est ici précieusement contenu dans des vases clos dont
la stabilité paraît incertaine. |
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"Tas de riz teinté avec des colorants comestibles." Dimensions : tables de 90/250 cm. recevant chacune 18 tas de riz. Il s’agit d’une installation
sculpturale : un agencement formel conique. Chaque cône
incarne une couleur saturée. S’approchant
de ces amas de couleurs, le regard, attisé
de curiosité, construit un rapport formel avant
de découvrir le matériau de la sculpture
: des amoncellements de riz teinté. Le titre
nous informe qu’il s’agit de colorants comestibles.
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" Muscle
à trois chefs. " " Muscle multi-penniforme. " Eléments
d’une série de 20 dessins de muscles différents. S’approchant, le regard
précise une image constituée d’une multitude
de traits se révélant être des détails
de musculature humaine. |
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"Matérialisation du creux de mains jointes pour recevoir de l’eau." Série de moulages de mains de 20 personnes différentes. Technique : résine transparente. Vue d’ensemble et détail. La transparence, la plénitude, les reflets et brillances font croire, au premier abord, que ces moulages recueillent de l’eau. Mais c’est un faux liquide constitué d’un vrai solide : la résine, semblable à de l’eau gelée.
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"32 fagots de 12 côtes humaines en porcelaine." Un ensemble d’une blancheur troublante où des socles servent de réceptacles à des sculptures , des architectures à l’équilibre précaire. Une succession de formes , de rythmes telle une frise. Les éléments des fagots, tous singuliers car façonnés manuellement, semblent réalisés en ivoire : l’artiste a patiemment travaillé la porcelaine pour évoquer ce matériau dans la volonté de suggérer la matière os. Ces assemblages sont
réunis en diptyque : 2 x 12. Ils sont placés, à la hauteur de
la cage thoracique des
visiteurs créant, ainsi, un vis à vis,
un autre dispositif de miroitement. |
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"Pain réalisé avec du colorant comestible." Elément faisant
partie d’une série de 15 pains de couleurs et
de formes différentes |
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"Calotte de crâne humain, feuilles d’or, miroir." Cette œuvre présente ce qui , sous un premier regard , pourrait être interprété comme un coquillage fermé. La forme initiale se dévoilera être un morceau de boîte crânienne recouvert de feuilles d’or, et ce uniquement par l’intermédiaire de son reflet dans un miroir. Le regard institue
une première réaction de convoitise avant
de se laisser subjuguer par la répulsion inhérente
au matériau de cette vanité. |
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"Maternité." Terre cuite, lait, miroir. Ici , un pot en terre rempli de lait , sa forme ventrue semble pousser sur la sculpture voisine. Le sommet ouvert de cette dernière nous permet d’y « jeter un œil ». Un miroir, disposé à l’intérieur, réfléchit notre image. On se voit, ainsi, dans cet objet en terre. (Evocation de la caverne, archétype de la matrice maternelle.)
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